Etude sa pagpipinta ay Ang konsepto, kahulugan, kasaysayan ng pinagmulan, mga sikat na pagpipinta at mga pamamaraan sa pagpipinta

2024 May -akda: Leah Sherlock | [email protected]. Huling binago: 2023-12-17 05:51

Ang ganitong termino bilang "etude" ay ginagamit upang tumukoy sa mga gawa sa iba't ibang anyo ng sining na karaniwan sa kultura ng Kanluran. Halimbawa, maaaring isa-isa ng isa ang mga pictorial at musical sketch, isang sketch bilang isang uri ng komposisyon ng chess, isang theatrical sketch na ginagamit sa pedagogy, bilang karagdagan, ang isa sa pinakasimpleng medium format na camera sa Soviet Union ay tinawag sa ganitong paraan.

Mula noong sinaunang panahon, sinubukan ng mga tao na kunan ang iba't ibang eksenang umusbong sa kanilang buhay. Sa una, ang mga ito ay mga imahe na iginuhit mula sa memorya, ngunit pagkatapos, pagkaraan ng ilang oras, ang mga kuwadro na iginuhit mula sa kalikasan ay matatag na pumasok sa sining. Ito ay mga guhit mula sa buhay at mga sketch ng mga pigura na sumasakop sa isang espesyal na lugar sa modernong pagpipinta.

Ano ang etude?

Ang sketch sa pagpipinta ay isang gawa ng sining na gumaganap ng pansuportang papel at ganap na nakuha mula sa buhay. Sa kontemporaryong sining, bilang karagdagan sa mga pansuportang tungkulin, maaari ding gampanan ng isang pag-aaral ang pangunahing papel - maging isang ganap na gawain.

Sa una, ang sketch sa pagpipinta ay ang mga unang sketch na bubuo sa malaking larawan. Dapat nitong makuha ang pangkalahatang pakiramdam, na kung saan ay mapapanatili sa proseso ng pagguhit ng larawan nang detalyado.

Ang proseso ng paggawa ng sketch sa pagpipinta ay kinabibilangan ng pag-aaral ng liwanag, kulay, anyo ng pananaw at komposisyon.

Sa sining ng pagpipinta, karaniwang bahagi ng pagpipinta ang pag-aaral. Kadalasan ang fragment na ito ay isang akda na may independiyenteng halaga sa kabuuang artistikong komposisyon.

Sa mga pag-aaral na may larawan, hindi tulad ng mga musikal, sa buong misa ng mga inihandang pag-aaral, ang mga pinaka-tutugma sa intensyon ng may-akda at sumusuporta sa kakanyahan ng akda ay pinipili. Pagkatapos mapili, ganap na nire-recycle ng artist ang mga ito at gagawa ng malaking canvas.

Ayon sa kasaysayan ng pangyayari, ang mga etudes ay nabibilang sa panahon ng Renaissance. Ang Renaissance ay nagbigay ng bagong impetus sa kultural na pag-unlad ng sining.

Sa ibaba ay isang halimbawa ng pag-aaral sa pagpipinta.

Asignatura ng panandaliang pag-aaral sa sining

Depende sa kung paano ginawa ang pag-aaral, maaari itong maging panandalian o pangmatagalan.

Ang panandaliang pag-aaral sa pagpipinta ay isang larawang mabilis na ginagawa at nagpapakita lamang ng mga pangkalahatang katangian na nagpapakilala sa hitsura ng kalikasan.

Ang layunin ng naturang etude-sketch ay makuha ang isang partikular na panandaliang kalagayan ng kalikasan. Ang mga kaganapan at kababalaghan na panandalian at kakaiba ay maaari lamang makuha sa anyo ng isang maikling sketch. Sa mga ganyanKasama sa mga kaganapan, halimbawa, ang mga prosesong nauugnay sa paggawa, mga kumpetisyon sa palakasan at mga tanawin, ang estado kung saan ay patuloy na nagbabago sa mga pagbabago sa pag-iilaw, paggalaw ng mga tao, pati na rin ang mga hayop. Upang magkaroon ng oras upang makuha ang mga sandaling ito, ang artist ay mayroon lamang ng ilang minuto o kahit na mga segundo sa kanyang pagtatapon, habang hindi niya masuri ang kalikasan nang detalyado at makita ang lahat ng mga detalye nito. Ang pangunahing bentahe ng isang panandaliang pag-aaral sa pagpipinta ay hindi ang elaborasyon at pagkakumpleto nito, ngunit, una sa lahat, emosyonalidad, pagiging bago at talas, ang pang-unawa sa sitwasyong nakikita. Ito ay sa tulong ng isang etude-sketch na pinamamahalaan ng artist na maipahayag nang malinaw kung ano ang nangyayari sa paligid.

Kadalasan ang mga sketch para sa mga painting sa pagpipinta ay ginagawa sa panandaliang paraan.

"Mga Pag-andar" ng mahabang pag-aaral

Ang mahabang pag-aaral sa pagpipinta ay isang gawaing tumatagal ng ilang sesyon upang makumpleto, ang bawat sesyon ay tumatagal ng dalawa hanggang apat na oras.

Ang pangunahing gawain ng mahabang pag-aaral ay ang lalim at pagiging komprehensibo ng pag-aaral ng kalikasan. Ang partikular na atensyon ay binabayaran sa likas na katangian ng mga anyo nito, paggalaw, proporsyon, istrukturang istruktura, mga tampok na kulay, pag-iilaw, atbp. Sa proseso ng paglikha ng gayong etude, isang mas detalyadong pagmuni-muni ng hitsura ng kalikasan ang nangyayari. Pagkatapos ng maingat na pag-aaral ng bagay na iginuhit, ang artist, upang ganap na maipakita ang mga likas na katangian ng isang pictorial at plastic na kalikasan, ay may pagkakataon na pumili ng tono, kulay at mga linya. Ang isang mahabang pag-aaral ay naiiba sa isang sketch dahil ito ay aktiboang mga impression mula sa kalikasan ay pinoproseso, at posible na makahanap ng mga nagpapahayag na paraan para sa kanilang embodiment.

Mga hakbang sa paggawa ng panandaliang pag-aaral

Ang mga yugto ng trabaho sa isang pag-aaral na pag-aaral sa pagpipinta ay nakadepende sa mismong uri ng pag-aaral.

Paggawa sa paglikha ng isang panandaliang pag-aaral ay walang mga espesyal na yugto, dahil ito ay nangyayari nang napakabilis at matatas. Dahil ang isang uri ng sketch ay ginagawa, walang malinaw na tinukoy na pagkakasunud-sunod ng mga aksyon.

Pagkakasunod-sunod sa paggawa ng mahabang pag-aaral

Ang paglikha ng mahabang pag-aaral ay nagaganap sa dalawang yugto.

Unang yugto (paghahanda):

• isang panlabas na pag-aaral at pagsusuri ng iginuhit na kalikasan ay nagaganap;
• kailangan ng artist na makahanap ng compositional solution, iyon ay, para pumili ng lugar (point of view) kung saan isasagawa ang sketch;
• pagkatapos gumawa ng sketch at sketch para ipakita ang compositional solution;
• tukuyin ang hugis at sukat ng gawa, ito ay nakaayos;
• set color scheme;
• ang mga short-term sketch ay ginawa upang pag-aralan nang malalim ang ilan sa pinakamahalaga at masalimuot na aspeto ng kalikasan;
• maaari mo ring isama sa yugto ng paghahanda ang paglikha ng isang guhit para sa pagpipinta (ginagawa ito sa ibang, hiwalay na papel na sheet).

Ikalawang yugto (pangunahin):

• Ang pre-prepared drawing for painting ay inilipat sa malinis na base;
• underpainting, registration at glazing ay isinasagawa;
• paglikha ng mahabang pag-aaralnagtatapos sa pagdadala nito sa integridad.

Pag-aaral ng langis

Ang paggamit ng mga oil paint kapag gumagawa ng isang gawa ng sining ay tipikal para sa mahabang pag-aaral.

Oil paint sa fine arts ay nagsimulang maging tanyag sa mga European artist noong ika-15 siglo. Mula noon, gamit ang mga oil paint, ang mga artista ay nakalikha ng pinakasikat na mga gawa sa lahat ng panahon.

Dahil ang mga pintura ng langis ay isang napakabagong materyal para sa pagpipinta, sa pagsasagawa, ang mga artist ay nakabuo ng ilang mga panuntunan na nagpapadali sa kanilang paggamit:

• bago simulan ang trabaho, dapat na naka-primed ang canvas;
• bago ilapat ang susunod na layer ng pintura sa nauna, kailangang patuyuin ito ng maigi. Napakahalaga ng panuntunang ito, lalo na kung ang mga pintura ay ginagamit, ginadgad sa isang mantika, na napakabagal na natutuyo (walnut, poppy, sunflower).
• kinakailangan upang maiwasan ang paglalagay ng masyadong makapal na layer ng oil paint.

Sa kabila ng pagiging kumplikado ng trabaho, ang pag-aaral ng langis sa pagpipinta ay iginuhit nang mas maaga at madalas na iginuhit ngayon.

Mga Sikat na Oil Painter

Maraming Russian artist ang gumamit ng oil paint para gumawa ng kanilang mga sketch. Kabilang sa mga ito ang mga sikat na personalidad:

• Isaac Ilyich Levitan. Kadalasan ay nagpinta siya ng mahabang sketch sa anyo ng mga landscape. Gayunpaman, kabilang sa kanyang mga painting ay mayroon ding mga portrait - ang kanyang self-portrait, sina Nikolai Petrovich Panafidin at Sofia Petrovna Kuvshinnikova.
• Sergey Marshennikov. Contemporary Russian artist, na ang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng sensual realism. Ang mahabang pag-aaral ay lumalabas din mula sa ilalim ng kanyang brush. Ang kanyang mga painting ay kadalasang nagtatampok ng mga semi-hubad na babae, minsan kahit na ang sarili niyang asawa, si Natalya.
• Dmitry Levin. Kinikilala ng kanyang mga kontemporaryo bilang isang master ng landscape ng Russia, na napatunayan ang kanyang sarili bilang mga mahuhusay na kinatawan ng Russian school of realism. Isinasaalang-alang niya ang attachment sa kalikasan bilang ang pinakamahalagang mapagkukunan ng kanyang sining. Iyon ang dahilan kung bakit kadalasan sa kanyang mga pagpipinta ang nayon ng Russia ay inilalarawan sa pamamagitan ng paglikha ng mahabang pag-aaral.

Etudes sa watercolor

Ang mga etude sa watercolor ay karaniwan sa pagpipinta.

Sinasabi ng mga master na gumagamit ng watercolor na kailangan mong gumuhit gamit ang mga pinturang ito gamit ang mga kumpiyansa na paggalaw. Ayon sa kanila, kapag mas matapang at matalas ang mga stroke, mas magiging epektibo ang huling resulta, at ang mga bahid, guhit at mantsa ay nagbibigay ng istilo ng sketch.

Bago magpinta gamit ang watercolor, ang papel ay dapat na lubusang natatakpan ng tubig - upang ang pintura ay maging mas mahusay. Ang bahagyang tuyo na papel ay dapat na basa-basa muli sa mga lugar kung saan inaasahan ang mga mantsa (halimbawa, tubig at langit). Dapat mong simulan ang pagpipinta gamit ang mga watercolor mula sa madilim na lugar. Ayon sa mga patakaran ng pagpipinta ng watercolor, ang bawat susunod na plano, na pupunta sa "lalim" ng pagguhit, ay dapat na mas malamig at mas malamig. Ang mga artistang gumagamit ng watercolor ay hindi kailanman gumagamit ng mga purong kulay - gumagamit sila ng palette.

Watercolor Masters

Hindi nagpabaya ang mahuhusay na artistang Rusomga pintura ng watercolor. Kabilang sa mga masters ng watercolor ay ang mga sumusunod na artist:

Fyodor Petrovich Tolstoy. Maraming sikat na mga kuwadro na gawa, na ipininta pareho sa watercolor at sa langis, ay nabibilang sa kanyang brush. Madalas siyang gumamit ng watercolor paints para ilarawan ang mga still life. Ang isa sa kanyang pinakatanyag na watercolor na gawa ay isang pagpipinta ng isang bungkos ng mga ubas

• Karl Pavlovich Bryullov. Gumamit din siya ng parehong mga langis at watercolor para sa kanyang mga pagpipinta. Madalas niyang ginagamit ang mga watercolor para sa mga portrait - Maria Petrovna Kikina sa pagkabata, Sylvester Fedoseevich Shchedrin at iba pa.
• Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Kinatawan ng simbolikong direksyon ng modernidad. Kadalasan ay nagpinta siya ng mga gawa ng mga relihiyosong paksa, ngunit hindi niya pinabayaan ang mga buhay pa rin. Ang isa sa pinakasikat na watercolor sketch ng Vrubel ay ang Rose in a Glass.