Mga halimbawa ng pagpipinta, genre, istilo, iba't ibang diskarte at uso

2024 May -akda: Leah Sherlock | [email protected]. Huling binago: 2023-12-17 05:51

Pagpinta ay marahil ang pinaka sinaunang anyo ng sining. Kahit na sa primitive na panahon, ang ating mga ninuno ay gumawa ng mga larawan ng mga tao at hayop sa mga dingding ng mga kuweba. Ito ang mga unang halimbawa ng pagpipinta. Mula noon, ang ganitong uri ng sining ay palaging nananatiling kasama ng buhay ng tao. Ang mga halimbawa ng pagpipinta ngayon ay marami at iba-iba. Susubukan naming sakupin ang ganitong uri ng sining hangga't maaari, sabihin ang tungkol sa mga pangunahing genre, istilo, direksyon at teknik dito.

Mga diskarte sa pagpipinta

Magsimula tayo sa mga pangunahing pamamaraan ng pagpipinta. Ang isa sa mga pinaka-karaniwan ay langis. Ito ay isang pamamaraan kung saan ginagamit ang mga pinturang nakabatay sa langis. Ang mga pinturang ito ay inilapat sa mga stroke. Sa tulong ng mga ito, maaari kang lumikha ng iba't ibang iba't ibang mga shade, pati na rin ihatid ang mga kinakailangang larawan na may pinakamataas na pagiging totoo.

Ang Tempera ay isa pang sikat na technique. Pinag-uusapan natin ito kapag ginamit ang mga pintura ng emulsyon. Ang binder sa mga pinturang ito ay pandikit ng hayop, itlog o tubig.

Ang Gouache ay isang diskarteng malawakang ginagamit sa mga graphics. Ang pintura ng gouache ay ginawa sa isang malagkit na batayan. Maaari itong magamit upang magtrabaho sa karton, papel, buto o sutla. Ang imahe ay matibay, at ang mga linya ay malinaw. Ang pastel ay isang pamamaraan ng pagguhit gamit ang mga tuyong lapis, habang ang ibabaw ay dapat na magaspang. At, siyempre, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit tungkol sa mga watercolor. Ang pinturang ito ay karaniwang natutunaw ng tubig. Ang isang malambot at manipis na layer ng pintura ay nakuha gamit ang diskarteng ito. Lalo na sikat ang mga watercolor landscape. Siyempre, inilista lamang namin ang mga pangunahing pamamaraan na kadalasang ginagamit sa pagpipinta. May iba pa.

Ano ang karaniwang pinipinta ng mga painting? Ang pinakasikat na pagpipinta sa canvas. Ito ay nakaunat sa isang frame o nakadikit sa karton. Tandaan na sa nakaraan, ang mga kahoy na tabla ay madalas na ginagamit. Sa ngayon, hindi lamang pagpipinta sa canvas ang sikat, ngunit ang anumang iba pang mga flat na materyales ay maaaring gamitin upang lumikha ng isang imahe.

Mga uri ng pagpipinta

Maaari itong hatiin sa 2 pangunahing uri: easel at monumental na pagpipinta. Ang huli ay nauugnay sa arkitektura. Kasama sa ganitong uri ang mga kuwadro na gawa sa mga kisame at dingding ng mga gusali, pinalamutian ang mga ito ng mga larawang gawa sa mosaic o iba pang materyales, mga bintanang may stained-glass, at iba pa. Ang easel painting ay hindi nauugnay sa isang partikular na gusali. Maaari itong ilipat mula sa isang lugar patungo sa lugar. Sa easel painting, maraming varieties (kung hindi man ay tinatawag silang genre). Pag-isipan natin ang mga ito nang mas detalyado.

Mga genre ng pagpipinta

Ang salitang "genre" ay nagmula sa French. Isinasalin ito bilang "genus", "species". Iyon ay, sa ilalim ng pangalan ng genre mayroong isang nilalaman ng ilang uri, at, na binibigkas ang pangalan nito, naiintindihan natin kung ano ang tungkol sa larawan, kung ano ang makikita natin dito: isang tao, kalikasan, isang hayop, mga bagay, atbp.

Portrait

Ang pinakasinaunang genre ng pagpipinta ay ang portrait. Ito ay isang imahe ng isang tao na kamukha lamang niya at wala ng iba. Sa madaling salita, ang portrait ay isang imahe sa pagpipinta ng isang indibidwal na hitsura, dahil ang bawat isa sa atin ay may indibidwal na mukha. Ang genre ng pagpipinta ay may sariling mga uri. Ang isang portrait ay maaaring full-length, chest-length, o isang tao lang ang pininturahan. Tandaan na hindi lahat ng larawan ng isang tao ay isang portrait, dahil ang isang artist ay maaaring lumikha, halimbawa, "isang tao sa pangkalahatan" nang hindi isinulat siya mula sa sinuman. Gayunpaman, kapag naglalarawan siya ng isang partikular na kinatawan ng sangkatauhan, gumagawa siya ng isang larawan. Hindi na kailangang sabihin, maraming mga halimbawa ng pagpipinta sa genre na ito. Ngunit ang larawan sa ibaba ay kilala sa halos bawat residente ng ating bansa. Pinag-uusapan natin ang imahe ni A. S. Pushkin, na nilikha noong 1827 ni Kiprensky.

Self-portrait ay maaari ding idagdag sa genre na ito. Sa kasong ito, inilalarawan ng artista ang kanyang sarili. May nakapares na portrait, kapag sa larawan ay may mga tao sa isang pares; at isang group portrait, kapag ang isang grupo ng mga tao ay inilalarawan. Mapapansin din ng isa ang ceremonial portrait, isang iba't ibang mga ito ay equestrian, isa sa mga pinaka solemne. Sikat na sikat ito noon, ngunit bihira na ang ganitong mga gawa ngayon. Gayunpaman, ang susunod na genre na pag-uusapan natin ay may kaugnayan anumang oras. Tungkol Saan iyan? Maaari itong hulaan sa pamamagitan ng pag-uuri sa mga genre na hindi pa namin pinangalanan, na nagpapakilala sa pagpipinta. Isa na rito ang buhay pa rin. Ito ay tungkol sa kanya na pag-uusapan natin ngayon, patuloy na isasaalang-alangpagpipinta.

Still life

Ang salitang ito ay mayroon ding pinagmulang Pranses, ito ay nangangahulugang "patay na kalikasan", bagaman ang kahulugan ay magiging mas tumpak na "walang buhay na kalikasan". Still life - ang imahe ng mga bagay na walang buhay. Malaki ang pagkakaiba-iba nila. Tandaan na ang mga still life ay maaari ding maglarawan ng "buhay na kalikasan": ang mga paru-paro ay humupa sa mga talulot, magagandang bulaklak, mga ibon, at kung minsan ang isang tao ay makikita sa mga kaloob ng kalikasan. Gayunpaman, ito ay magiging isang still life, dahil ang imahe ng buhay ay hindi ang pinakamahalagang bagay para sa artist sa kasong ito.

Landscape

Ang Landscape ay isa pang salitang French na nangangahulugang "view ng bansa" sa pagsasalin. Ito ay kahalintulad sa konsepto ng Aleman ng "landscape". Ang tanawin ay isang paglalarawan ng kalikasan sa pagkakaiba-iba nito. Ang mga sumusunod na uri ay sumali sa genre na ito: ang landscape ng arkitektura at ang napaka-tanyag na seascape, na madalas na tinatawag na solong salitang "marina", at ang mga artista na nagtatrabaho dito ay tinatawag na marine painters. Maraming mga halimbawa ng pagpipinta sa genre ng seascape ay matatagpuan sa gawa ni I. K. Aivazovsky. Isa sa mga ito ay ang "Rainbow" ng 1873.

Ang oil painting na ito ay mahirap gawin. Ngunit hindi mahirap gumawa ng mga watercolor landscape, kaya sa paaralan, sa mga aralin sa pagguhit, ang gawaing ito ay ibinigay sa bawat isa sa atin.

Genre ng hayop

Ang susunod na genre ay animalistic. Ang lahat ay simple dito - ito ay isang imahe ng mga ibon at hayop sa kalikasan, sa kanilang natural na kapaligiran.

Genre ng consumer

Ang araw-araw na genre ay isang paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay, pang-araw-araw na buhay, nakakatawang "mga pangyayari", buhay tahanan at mga kwento ng mga ordinaryong tao sa isang ordinaryong kapaligiran. At magagawa mo nang walang mga kwento - kunin lamang ang mga pang-araw-araw na aktibidad at gawain. Ang ganitong mga pagpipinta ay minsang tinutukoy bilang pagpipinta ng genre. Bilang halimbawa, isaalang-alang ang The Potato Eaters (1885) ni Van Gogh, na ipinakita sa itaas.

Makasaysayang genre

Ang mga tema ng pagpipinta ay magkakaiba, ngunit ang makasaysayang genre ay namumukod-tangi. Ito ay isang imahe ng mga makasaysayang bayani at mga kaganapan. Katabi nito ang genre ng labanan, nagpapakita ito ng mga yugto ng digmaan, labanan.

Relihiyoso at mitolohiyang genre

Sa mythological genre, ang mga painting ay ipininta sa mga tema ng mga sinaunang at sinaunang alamat tungkol sa mga diyos at bayani. Dapat pansinin na ang imahe ay isang sekular na kalikasan, at sa ito ay naiiba sa mga imahe ng mga diyos na kinakatawan sa icon. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta ng relihiyon ay hindi lamang mga icon. Pinagsasama-sama nito ang iba't ibang mga akdang nakasulat na may mga relihiyosong tema.

Clash of genres

Kung mas mayaman ang nilalaman ng genre, mas lumalabas ang mga "kasama" nito. Maaaring pagsamahin ang mga genre, kaya mayroong isang pagpipinta na hindi maaaring ilagay sa balangkas ng alinman sa mga ito. Sa sining, mayroong parehong pangkalahatan (mga diskarte, genre, estilo) at isang indibidwal (isang partikular na gawa na kinuha nang hiwalay). Ang isang hiwalay na larawan ay nagdadala ng isang bagay na karaniwan. Samakatuwid, maraming mga artista ang maaaring magkaroon ng isang genre, ngunit ang mga kuwadro na ipininta dito ay hindi magkapareho. Ang kultura ay may mga katangiang ito.pagpipinta.

Estilo

Ang Estilo sa fine art ay isang aspeto ng visual na perception ng mga painting. Maaari nitong pagsamahin ang mga gawa ng isang artista o ang mga gawa ng mga artista sa isang partikular na panahon, direksyon, paaralan, lugar.

Academic na pagpipinta at pagiging totoo

Ang Ang akademikong pagpipinta ay isang espesyal na direksyon, na ang pagbuo nito ay nauugnay sa mga aktibidad ng mga akademya ng sining sa Europa. Lumitaw ito noong ika-16 na siglo sa Bologna Academy, na ang mga katutubo ay naghangad na gayahin ang mga masters ng Renaissance. Mula noong ika-16 na siglo, ang mga pamamaraan ng pagtuturo ng pagpipinta ay nagsimulang batay sa mahigpit na pagsunod sa mga alituntunin at pamantayan, na sumusunod sa mga pormal na pattern. Ang Royal Academy of Arts sa Paris ay itinuturing na isa sa mga pinaka-maimpluwensyang sa Europa. Itinaguyod niya ang aesthetics ng classicism na nangibabaw sa France noong ika-17 siglo. Parisian academy? na nag-aambag sa sistematisasyon ng edukasyon, unti-unting ginawang dogma ang mga tuntunin ng klasikal na direksyon. Kaya ang akademikong pagpipinta ay naging isang espesyal na direksyon. Noong ika-19 na siglo, isa sa mga pinakakilalang pagpapakita ng akademya ay ang gawa ni J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. Ang mga klasikal na canon ay pinalitan ng mga makatotohanan lamang sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo. Ito ay realismo na sa simula ng ika-20 siglo ang pangunahing paraan ng pagtuturo sa mga akademya, ay nagiging isang dogmatikong sistema.

Baroque

Ang Baroque ay isang istilo at panahon ng sining, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng aristokrasya, kaibahan, dinamismo ng mga larawan, mga simpleng detalye kapag naglalarawan ng kasaganaan, tensyon, drama, karangyaan, pagsasanib ng katotohanan at ilusyon. Ang istilong ito ay lumitaw sa Italya noong 1600 atkumalat sa buong Europa. Ang Caravaggio at Rubens ang mga pinakakilalang kinatawan nito. Ang Baroque ay madalas na inihambing sa expressionism, gayunpaman, hindi katulad ng huli, wala itong masyadong nakakainis na epekto. Ang mga pintura ng istilong ito ngayon ay nailalarawan sa pagiging kumplikado ng mga linya at ang kasaganaan ng mga palamuti.

Cubism

Ang Cubism ay isang avant-garde art movement na nagmula noong ika-20 siglo. Ang lumikha nito ay si Pablo Picasso. Ang Cubism ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa eskultura at pagpipinta ng Europa, na nagbigay inspirasyon sa paglikha ng mga katulad na uso sa arkitektura, panitikan, at musika. Ang artistikong pagpipinta sa istilong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pinagsama-samang, sirang mga bagay na may abstract na anyo. Inilalarawan ang mga ito mula sa maraming pananaw.

Expressionism

Ang Expressionism ay isa pang mahalagang trend sa kontemporaryong sining na lumitaw sa Germany noong unang kalahati ng ika-20 siglo. Sa una, ito ay sumasaklaw lamang sa mga tula at pagpipinta, at pagkatapos ay kumalat sa iba pang larangan ng sining.

Inilalarawan ng mga Expressionist ang mundo nang suhetibo, binabaluktot ang katotohanan upang lumikha ng mas malaking emosyonal na epekto. Ang layunin nila ay makapag-isip ang manonood. Ang pagpapahayag sa ekspresyonismo ay nangingibabaw sa imahe. Mapapansin na maraming mga gawa ang nailalarawan sa pamamagitan ng mga motif ng pagdurusa, sakit, pagdurusa, pagsigaw (ang gawain ni Edvard Munch, na ipinakita sa itaas, ay tinatawag na "The Scream"). Ang mga artista ng ekspresyon ay hindi interesado sa materyal na katotohanan, ang kanilang mga pagpipinta ay puno ng malalim na kahulugan at emosyonalmga karanasan.

Impresyonismo

Ang Impresyonismo ay isang direksyon ng pagpipinta, na pangunahing naglalayong magtrabaho sa open air (open air), at hindi sa studio. Utang nito ang pangalan nito sa painting na "Impression, Sunrise" ni Claude Monet, na ipinapakita sa larawan sa ibaba.

Ang salitang "impression" sa English ay impression. Ang mga impresyonistikong pagpipinta ay pangunahing naghahatid ng magaan na sensasyon ng artist. Ang mga pangunahing tampok ng pagpipinta sa estilo na ito ay ang mga sumusunod: halos hindi nakikita, manipis na mga stroke; pagbabago sa pag-iilaw, tumpak na naihatid (ang pansin ay madalas na nakatuon sa epekto ng paglipas ng panahon); bukas na komposisyon; isang simpleng karaniwang layunin; kilusan bilang pangunahing elemento ng karanasan at pang-unawa ng tao. Ang pinakakilalang kinatawan ng trend gaya ng impresyonismo ay sina Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernismo

Ang susunod na direksyon ay modernismo, na nagmula bilang kumbinasyon ng mga uso sa iba't ibang larangan ng sining noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang Parisian "Salon of the Rejected" ay binuksan noong 1863. Ang mga artista na ang mga pagpipinta ay hindi pinapayagan sa opisyal na salon ay ipinakita dito. Ang petsang ito ay maaaring ituring na petsa ng paglitaw ng modernismo bilang isang hiwalay na direksyon sa sining. Kung hindi, ang modernismo ay tinatawag na "ibang sining". Ang kanyang layunin ay lumikha ng mga natatanging painting na hindi katulad ng iba. Ang pangunahing tampok ng mga gawa ay ang espesyal na pananaw ng may-akda sa mundo.

Ang mga artista sa kanilang trabaho ay naghimagsik laban sa mga halaga ng realismo. Ang kamalayan sa sarili aymaliwanag na katangian ng direksyong ito. Madalas itong humahantong sa pag-eeksperimento sa anyo pati na rin ang pagkahilig sa abstraction. Ang mga kinatawan ng modernismo ay nagbibigay ng espesyal na pansin sa mga materyales na ginamit at ang proseso ng trabaho. Isa sa mga pinakakilalang kinatawan nito ay sina Henry Matisse (ang kanyang obra na "The Red Room" noong 1908 ay ipinakita sa itaas) at Pablo Picasso.

Neoclassicism

Neoclassicism - ang pangunahing direksyon ng pagpipinta sa Northern Europe mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo hanggang sa katapusan ng ika-19. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbabalik sa mga tampok ng sinaunang sining, ang sining ng Renaissance at maging ang mga panahon ng klasisismo. Sa mga terminong arkitektura, masining at kultural, lumitaw ang neoclassicism bilang tugon sa Rococo, na itinuturing bilang isang mababaw at maarte na istilo ng sining. Ang mga neoclassical artist, salamat sa kanilang mahusay na kaalaman sa mga batas ng simbahan, ay sinubukang ipakilala ang mga canon sa kanilang trabaho. Gayunpaman, iniwasan nila ang simpleng paggawa ng mga klasikal na motif at tema. Sinubukan ng mga neoclassical artist na ilagay ang kanilang pagpipinta sa loob ng balangkas ng tradisyon at sa gayon ay nagpapakita ng kahusayan sa genre. Ang neoclassicism sa bagay na ito ay direktang sumasalungat sa modernismo, kung saan ang improvisasyon at pagpapahayag ng sarili ay itinuturing na mga birtud. Kabilang sa mga pinakatanyag na kinatawan nito sina Nicolas Poussin, Raphael.

Pop Art

Ang huling direksyong titingnan natin ay pop art. Siya ay lumitaw sa Britain noong kalagitnaan ng 50s ng huling siglo, at sa huling bahagi ng 50s - sa Amerika. Ang pop art ay pinaniniwalaang nagmula bilang isang reaksyon sa mga ideya ng abstract expressionism,nangingibabaw sa panahong iyon. Sa pagsasalita tungkol sa direksyon na ito, imposibleng hindi banggitin si Andy Warhol. Noong 2009, ang "Eight Elvises", isa sa kanyang mga painting, ay naibenta sa halagang $100 milyon.