Belcanto ay isang pamamaraan ng virtuoso na pag-awit. Pagsasanay sa boses. pag-awit ng opera

2024 May -akda: Leah Sherlock | [email protected]. Huling binago: 2023-12-17 05:51

Mahahabang linya ng mga musikal na parirala, melodic na mga sipi at grasya, kamangha-manghang kontrol sa boses at pinahusay na kagandahan ng birtuoso na pag-awit. Sa pagliko ng ika-16-17 siglo, isang paaralan ng pag-awit ang bumangon sa Italya, na nagbigay sa mundo ng isang gumaganap na pamamaraan ng boses, na kung saan ang mga Italyano, sakim sa mga mapagpanggap na termino, ay nagbigay ng pangalang bel canto (bel canto) - "magandang pag-awit". Huwag nating palakihin, na minarkahan ang panahong ito bilang simula ng kasagsagan ng mga theatrical vocals at ang panimulang punto para sa karagdagang pag-unlad ng genre ng opera.

Ang Kapanganakan ng Opera: Florence

Ang mga unang opera na lumitaw sa inilarawan na yugto ng panahon ay may utang na loob sa mga miyembro ng isang maliit na bilog ng mga mahilig sa sinaunang sining, na nabuo sa Florence at pumasok sa kasaysayan ng musika sa ilalim ng pangalang "Florence Camerata". Ang mga tagahanga ng sinaunang trahedyang Griyego ay nangarap na muling buhayin ang dating kaluwalhatian ng genre na ito at sa palagay nila ay hindi nagsasalita ang mga aktor, ngunit kinanta ang mga salita, gamit ang recitative, isang melodic na makinis na paglipat ng mga tunog, upang kopyahin ang teksto.

Ang mga unang gawa na isinulat sa balangkas ng sinaunang mitolohiyang Griyego ni Orpheus ay naging inspirasyon para sa pagsilang ng isang bagong genre ng musikal- mga opera. At ang mga solong bahagi ng boses (arias) na nagsilbing mahalagang bahagi nito ay pinilit ang mga mang-aawit na seryosong makisali sa pagsasanay sa boses, na naging dahilan ng paglitaw ng sining ng magandang pagkanta - bel canto. Ipinapahiwatig nito ang kakayahang magsagawa ng mga nagtatagal na melodic fragment sa mahabang paghinga habang pinapanatili ang maayos na paggawa ng tunog sa kabuuan ng musikal na parirala.

Neapolitan school

Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, nabuo ang tradisyon ng Neapolitan opera, na sa wakas ay itinatag ang sining ng bel canto sa entablado ng teatro. Ito ay parehong pag-unlad ng ideya ng Florentine at isang pagbabago dito. Sa Naples, ang musika at pag-awit ang naging pangunahing bahagi ng pagtatanghal, at hindi ang mga tula, na hanggang sa panahong iyon ay binigyan ng nangungunang papel. Ang inobasyong ito ay ikinatuwa ng madla at nagdulot ng matinding sigasig.

Neapolitanong mga kompositor ang structurally transformed opera. Hindi nila tinalikuran ang paggamit ng mga recitative, na hinati nila sa iba't ibang uri: sinamahan (sinamahan ng isang orkestra) at tuyo, na naglalaman ng impormasyon na ipinakita sa isang kolokyal na paraan sa mga bihirang harpsichord chords upang mapanatili ang musikal na tono. Ang pagsasanay sa boses, na naging sapilitan para sa mga performer, ay nadagdagan ang katanyagan ng mga solo na numero, ang anyo kung saan sumailalim din sa mga pagbabago. Ang mga tipikal na aria ay lumitaw kung saan ang mga karakter ay nagpahayag ng mga damdamin sa isang pangkalahatang paraan, na may kaugnayan sa sitwasyon, at hindi batay sa imahe o karakter. Malungkot, buffoonery, araw-araw, madamdamin, revenge arias - ang panloob na espasyo ng Neapolitan opera ay napuno ng buhay na buhay na nilalaman.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Natatanging kompositor at masigasig na si Scarlatti ay nahulog sa kasaysayan bilang tagapagtatag ng paaralan ng opera sa Naples. Gumawa siya ng higit sa 60 mga gawa. Ang genre ng seryosong opera (opera seria), na nilikha ni Scarlatti, ay nagsabi tungkol sa buhay ng mga sikat na bayani sa tulong ng isang mitolohiya o makasaysayang balangkas. Itinulak ng pag-awit ng opera ang dramatikong linya ng pagtatanghal sa background, at ang mga recitative ay nagbigay daan sa arias.

Ang malawak na hanay ng mga bahagi ng boses sa seryosong opera ay nagpalawak ng mga kinakailangan na dapat matugunan ng mga boses ng opera. Ang mga performer ay umunlad sa sining ng pag-awit, kahit na kung minsan ay humantong ito sa mga pag-usisa - bawat isa sa kanila ay nais na isama ng kompositor ang arias sa opera na pabor na bigyang-diin ang dignidad ng boses. Ang resulta ay isang set ng hindi nauugnay na solo number, kaya naman nagsimulang tawaging “concert in costumes” ang opera seria.

Beauty and craftsmanship

Ang isa pang kontribusyon ng Neapolitan opera school sa pagbuo ng bel canto ay ang paggamit ng ornamental (coloratura) na mga dekorasyon ng musical palette sa vocal parts. Ginamit ang Coloratura sa dulo ng arias at tinulungan ang mga gumaganap na ipakita sa madla ang antas ng kontrol ng boses. Mahusay na mga lukso, kilig, ranged passage, ang paggamit ng sequence (pag-uulit ng isang musical phrase o melodic turn sa iba't ibang registers o keys) - kaya nadagdagan ang expressive palette na ginamit ng bel canto virtuosos. Ito ay humantong sa ang katunayan na ang antas ng kasanayan ng mang-aawit ay madalas na nasuriayon sa pagiging kumplikado ng coloratura na kanyang ginagawa.

Italian musical culture made high demands. Ang mga tinig ng mga sikat na mang-aawit ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kagandahan at kayamanan ng timbre. Ang pagsasanay sa boses ay nakatulong sa pagpapabuti ng diskarte sa pagganap, upang makamit ang pantay at katatasan ng tunog sa lahat ng mga hanay.

Unang conservatories

Ang pangangailangan para sa bel canto ay humantong sa pagbuo ng mga unang institusyong pang-edukasyon na nagsanay ng mga mang-aawit. Ang mga orphanage - conservatories - ang naging unang mga paaralan ng musika sa medieval na Italya. Ang pamamaraan ng bel canto ay itinuro sa kanila batay sa imitasyon, pag-uulit pagkatapos ng guro. Ipinapaliwanag nito ang mataas na antas ng pagsasanay ng mga mang-aawit noong panahong iyon. Pagkatapos ng lahat, nag-aral sila sa mga kinikilalang master tulad ni Claudio Monteverdi (1567-1643) o Francesco Cavalli (1602-1676).

Ang mga mag-aaral ay binubuo ng mga espesyal na pagsasanay para sa pagbuo ng boses, solfeggio, na kailangang ulitin, pagpapabuti ng teknik sa pag-awit at pagbuo ng paghinga - mga kasanayang kinakailangan para sa bel canto. Ito ay humantong sa katotohanan na, sa pagsisimula ng pagsasanay sa edad na 7-8, sa edad na 17, ang mga propesyonal na performer para sa yugto ng opera ay lumitaw mula sa mga dingding ng konserbatoryo.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Sa hitsura nito, paunang natukoy ng Italian bel canto ang trend ng pag-unlad ng kulturang musikal ng opera para sa susunod na tatlong siglo. Isang milestone sa pag-unlad nito ay ang gawain ng Italyano na kompositor na si G. Rossini. Ang maindayog na enerhiya, kinang at kadaliang kumilos ng mga bahagi ng boses ay hinihingi mula sa mga gumaganap ng isang mayamang iba't ibang timbre, virtuosity atpambihirang singing school. Maging ang mga singsong arias at recitatives sa mga komposisyon ni Rossini ay humingi ng buong dedikasyon.

Ang himig ni Rossini ay nagbigay daan para sa klasikong bel canto, na nakikilala sa pamamagitan ng pagkakumpleto ng mga parirala, banayad at mahangin na malinis, malayang dumadaloy na makinis na himig (cantilena) at senswal na kahanga-hangang sigasig. Kapansin-pansin na alam mismo ng kompositor ang tungkol sa sining ng pag-awit. Bilang isang bata, kumanta siya sa koro ng simbahan, at sa pagtanda, bilang karagdagan sa pag-compose, masigasig niyang inilaan ang kanyang sarili sa vocal pedagogy at kahit na nagsulat ng ilang mga libro sa isyung ito.

Pedagogy

Ang Italian opera singing, na naging simbolo ng European musical culture noong ika-17-19 na siglo, ay lumitaw salamat sa gawa ng mga mahuhusay na makabagong guro na nag-aral ng mga vocal at nag-eksperimento sa boses ng tao, na dinadala ang tunog nito sa pagiging perpekto. Ang mga teknik na inilarawan sa kanilang mga sinulat ay ginagamit pa rin sa paghahanda ng mga mang-aawit.

Wala ni isang detalye ang nakaligtas sa atensyon ng mga guro. Naunawaan ng mga mag-aaral ang mga sikreto ng libre at madaling paghinga sa pag-awit. Ipinapalagay ng pagsasanay sa boses ang katamtamang dami ng tunog, maiikling melodic na parirala at makitid na pagitan, na naging posible na gumamit ng paghinga sa pagsasalita, na nailalarawan sa pamamagitan ng mabilis at malalim na paghinga na sinusundan ng mabagal na pagbuga. Ang mga kumplikadong pagsasanay ay binuo upang sanayin ang homogenous na produksyon ng tunog sa mataas at mababang mga rehistro. Kahit na ang pagsasanay sa harap ng salamin ay bahagi ng kurso sa pagsasanay para sa mga baguhan na performer - ang labis na ekspresyon ng mukha at ang tensiyonado na ekspresyon ng mukha ay nagtraydor ng nakakumbulsiyon na gawain.aparato ng boses. Inirerekomenda na manatiling maluwag, tumayo nang tuwid at sa tulong ng isang ngiti upang makamit ang isang malinaw at malapit na tunog.

Mga bagong diskarte sa pagkanta

Complex vocal parts, dramaturgy at theatrical performances ay nagbigay ng mahihirap na gawain para sa mga mang-aawit. Ang musika ay sumasalamin sa panloob na mundo ng mga karakter, at ang boses ay naging mahalagang bahagi ng pangkalahatang imahe ng entablado. Ito ay malinaw na ipinakita sa mga opera nina G. Rossini at G. Verdi, na ang gawain ay minarkahan ang pagtaas ng istilo ng bel canto. Itinuring ng klasikal na paaralan na katanggap-tanggap ang paggamit ng falsetto sa matataas na nota. Gayunpaman, tinanggihan ng dramaturgy ang diskarte na ito - sa kabayanihan na eksena, ang male falsetto ay pumasok sa aesthetic dissonance na may emosyonal na pangkulay ng aksyon. Ang unang nagtagumpay sa voice threshold na ito ay ang Frenchman na si Louis Dupre, na nagsimulang gumamit ng paraan ng paggawa ng tunog, na nagtatatag ng mga mekanismo ng physiological (pagpapaliit ng larynx) at phonetic (wika sa posisyong "Y-shaped") para sa pagprotekta sa vocal. apparatus at kalaunan ay tinawag na "covered". Pinapayagan nitong mabuo ang itaas na seksyon ng hanay ng tunog nang hindi lumilipat sa falsetto.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Pagsusuri sa operatic vocal art, hindi maiisip na balewalain ang figure at creative heritage ng mahusay na Italian composer na si G. Verdi. Binago niya at binago ang opera, ipinakilala ang mga kaibahan ng balangkas at mga pagsalungat. Siya ang unang kompositor na aktibong nakibahagi sa elaborasyon ng balangkas, disenyo ng entablado at produksyon. Sa kanyang mga opera, ang thesis at antithesis ay nangingibabaw, ang mga damdamin at kaibahan ay nagngangalit, nagkakaisamakamundo at kabayanihan. Ang diskarteng ito ay nagdidikta ng mga bagong kinakailangan para sa mga bokalista.

Ang kompositor ay kritikal sa coloratura at sinabing ang mga trills, grace notes at gruppettos ay hindi kayang maging batayan ng isang melody. Halos walang mga dekorasyong dekorasyon sa mga komposisyon, na natitira lamang sa mga bahagi ng soprano, at kalaunan ay ganap na nawala mula sa mga marka ng opera. Ang mga bahagi ng lalaki sa climaxes ay inilipat sa itaas na rehistro gamit ang "covered sound" na inilarawan kanina. Ang mga gumaganap ng mga bahagi ng baritone ay pinilit na muling itayo ang gawain ng vocal apparatus mula sa isang mataas na tessitura (mataas na altitude na pag-aayos ng mga tunog na nauugnay sa hanay ng pag-awit), na idinidikta ng pagmuni-muni ng emosyonal na estado ng mga character. Ito ay humantong sa paglitaw ng isang bagong termino - "Verdi baritone". Ang gawa ni G. Verdi, 26 magagandang opera na itinanghal sa La Scala, ay minarkahan ang ikalawang kapanganakan ng bel canto - ang sining ng pag-master ng boses na dinala sa pagiging perpekto.

World tour

Ang magaan at magandang istilo ng boses ay hindi maaaring panatilihin sa loob ng mga hangganan ng isang estado. Karamihan sa Europa ay unti-unting nahulog sa ilalim ng kanyang spell. Ang magagandang pag-awit ay sumakop sa entablado ng teatro sa mundo at naimpluwensyahan ang pag-unlad ng kulturang musikal ng Europa. Isang direksyon ng opera ang nabuo, na nakatanggap ng pangalang "belkanta". Itinulak ng istilo ang mga hangganan ng aplikasyon nito at tumuntong sa instrumental na musika.

The virtuoso melody of F. Chopin (1810-1849) synthesized Polish folk poetics at Italian operatic bel canto. Ang mapangarapin at magiliw na mga pangunahing tauhang babae ng mga opera ni J. Masnet (1842-1912) ay puno ng belcanth charm. Napakahusay ng impluwensya ng istilo kaya naging tunay na engrande ang impluwensya nito sa musika, mula sa klasiko hanggang sa romantikismo.

Pag-uugnay sa mga kultura

Ang mahusay na kompositor na si M. I. Glinka (1804-1857) ay naging tagapagtatag ng mga klasikong Ruso. Ang kanyang orkestra na pagsulat - napakahusay na liriko at sa parehong oras na monumental - ay puno ng himig, kung saan makikita ang parehong mga tradisyon ng katutubong awit at ang belkante na pagiging sopistikado ng Italian arias. Ang cantilena na kakaiba sa kanila ay naging katulad ng melodiousness ng mga hugot na kanta ng Russia - totoo at nagpapahayag. Ang pamamayani ng melody sa teksto, mga intra-syllable chants (singing accentuation ng mga indibidwal na pantig), mga pag-uulit ng pagsasalita na lumilikha ng haba ng melody - lahat ng ito sa mga gawa ni M. I. Glinka (at iba pang mga kompositor ng Russia) ay kamangha-manghang pinagsama sa ang mga tradisyon ng Italian opera. Ang mga nagtatagal na katutubong awit, ayon sa mga kritiko, ay nararapat sa pamagat ng "Russian bel canto".

Sa repertoire ng mga bituin

Ang napakatalino na panahon ng Italian bel canto ay nagtapos noong 1920s. Ang militar at rebolusyonaryong mga kaguluhan sa unang quarter ng siglo ay tumawid sa normatibong kakanyahan ng romantikong pag-iisip ng opera, pinalitan ito ng neoclassicism at impresyonismo, modernismo, futurism at iba pa na nahahati sa mga direksyon. Gayunpaman, ang mga sikat na operatic na boses ay hindi tumitigil na bumaling sa mga obra maestra ng mga klasikal na vocal ng Italyano. Ang sining ng "magandang pagkanta" ay mahusay na pinagkadalubhasaan ni A. V. Nezhdanov at F. I. Chaliapin. Ang hindi maunahang master ng direksyon ng pag-awit na ito ay si L. V. Sobinov, na tinawag na ambassador ng bel canto sa Russia. Ang dakilang Maria Callas (USA) at Joan Sutherland (Australia), na pinarangalan ng mga kasamahan na may pamagat na "Voice of the Century", lyric tenor Luciano Pavarotti (Italy) at hindi maunahan bass Nikolai Gyaurov (Bulgaria) - ang kanilang sining ay batay sa masining at aesthetic na batayan ng Italian bel canto.

Konklusyon

Ang mga bagong uso sa kulturang pangmusika ay nabigong madaig ang kinang ng klasikong Italian bel cante opera. Paunti-unti, hinahanap ng mga batang performer ang impormasyong napanatili sa mga tala ng mga masters ng mga nakaraang taon tungkol sa wastong paghinga, paggawa ng tunog, eskultura ng boses at iba pang mga subtleties. Ito ay hindi isang walang ginagawang interes. Ang sopistikadong madla ay nagising sa pangangailangan na huwag marinig ang isang modernong interpretasyon ng mga klasikal na gawa, ngunit upang plunge sa maaasahang pansamantalang espasyo ng hindi nagkakamali na sining ng pag-awit. Marahil ito ay isang pagtatangka upang malutas ang misteryo ng bel canto phenomenon - kung paano, sa panahon ng pagbabawal sa mga boses ng babae at mga kagustuhan para sa isang mataas na rehistro ng lalaki, isang direksyon sa pag-awit ay maaaring ipanganak na nakaligtas sa maraming siglo at naging isang maayos na sistema na inilatag ang pundasyon para sa pagsasanay ng mga propesyonal na bokalista sa loob ng ilang siglo.