2024 May -akda: Leah Sherlock | [email protected]. Huling binago: 2023-12-17 05:51
Abstract na sining, hindi layunin na pagpipinta ay hindi pumapayag sa malamig na pagsusuri. Ang gawain ng tulad ng isang pintor bilang Mark Rothko, na ang mga kuwadro na gawa ay hindi naglalaman ng kahit isang pahiwatig ng mga bagay mula sa totoong mundo, ay abstractionism sa purong anyo nito. Ang lohika at ang paghahanap para sa mga pamilyar na pagkakatulad ay maaaring makagambala sa pananaw ng manonood sa paraan ng pagpapahayag ng sarili ni Rothko, sa paghahanap kung saan ang artist ay dumating sa isang mahaba at mahirap na daan.
Paghanap ng paraan
Markus Yakovlevich Rotkovich ay isinilang noong 1903 sa bayan ng Dvinsk, Vitebsk province (ngayon ay Daugavpils, Latvia). Pagkaraan ng 10 taon, nangibang-bansa ang kanyang pamilya sa Amerika, at maraming pagsubok sa buhay ang kailangan niyang pagdaanan. Hindi niya agad nahanap ang kanyang paraan sa buhay, hindi sinasadyang nahulog sa artistikong kapaligiran. Noong 30-40s ng huling siglo, ang USA ang naging sentro para sa pag-unlad ng avant-garde art - ang mga abstractionist mula sa totalitarian states ng Europe ay napilitang lumabas dito.
Noong 1938 kinuha ng artista ang pangalang Rothko Mark. Lumikha siya ng mga pintura noong panahong iyon sa ilalim ng impluwensya ng cubo-futurist na si Marc Weber (1881-1961) at ang surrealist na si Arshile Gorky (1904-1948). Matagal bago mahanap ni Rothko ang kanyang paraan. Dumaan siya sa mga panahon ng pagnanasa at makasagisag na pagpipinta: nagpinta siya ng mga portrait at urban landscape ("Babae sa likodpananahi", 1935, "Sa subway", 1938). Ang mga surrealistic na motif sa kanyang trabaho ay pinatindi ng kanyang pagkahilig sa mga bagong ideyang pilosopikal: interes sa walang malay, sa panloob na mundo ng isang indibidwal, sa automatismo ng pagpapahayag ng mga emosyon at mga impresyon.
Una, ang panahon ng Great Depression, pagkatapos ay ang premonisyon ng isang bagong digmaang pandaigdig ay lumikha ng isang kapaligiran sa lipunan kung saan ang mga tradisyonal na palatandaan ay nawala. Humihingi ng suporta ang artist sa mga paksang mitolohiya ("Antigone", 1941, "Hierarchical Birds", 1945), at pagkatapos ay dumating sa ganap na hindi layunin na pagpipinta.
Mula sa simula ng 50s, sa wakas ay nabuo ang isang artistikong phenomenon gaya ng Rothko. Si Mark, na ang mga pintura ay binubuo ng dalawa o tatlong parallel na parihaba, ay natagpuan ang kanyang paraan. Ang color field painting ay ang kahulugang natagpuan ng mga kritiko para sa pamamaraan ni Rothko.
Isang simpleng hugis para sa mga kumplikadong ideya
Ang mismong pintor ay hindi gustong ipaliwanag ang kanyang mga ipininta at hindi makatiis kapag ginawa ito ng iba. Hindi niya sinubukang ihayag ang ideya sa mga salita, samakatuwid, sa mga bulwagan ng museo kung saan kinakatawan si Mark Rothko, may mga painting na may mga pamagat sa anyo ng serial number at petsa ng paglikha.
Hindi niya matanggap na tawaging abstractionist dahil itinuring niya ang kanyang mga painting bilang repleksyon ng totoong buhay, mga buhay na organismo na naghahanap ng contact sa manonood.
Nagkaroon siya ng negatibong saloobin sa opinyon ng kanyang sarili bilang isang artist - "colorist", bagaman palagi siyang maingat na nagtatrabaho sa kulay, kahit na mano-mano na kinuskos ang mga pigment, na nakakamit ang nais na kulay at pagkakapare-pareho. Itinuring niyang mas mahalaga ang ratio ng masa at volume.yaong mga bloke na bumubuo sa kanyang mga komposisyon.
Ang larawan ay parang teatro
Sa kanyang kabataan, gusto ni Rothko na seryosong makisali sa dramatic art at halos mag-enroll sa acting classes. Madalas niyang tawagin ang kanyang mga komposisyon na mga drama, at madaling isipin ang mga ito bilang mga dekorasyon sa entablado. Maaari nitong ipaliwanag ang isa pang aspeto ng impluwensya ng mga painting ni Rothko sa madla.
Maraming tao ang nakakapansin ng isang pambihirang pakikilahok sa espasyo ng pagpipinta. Para sa eksibisyon ng kanyang mga gawa, pinili ng artist ang madilim na artipisyal na ilaw, halos takip-silim. At ang distansya kung saan inirerekomenda niyang tingnan ang larawan, natukoy ni Rothko sa 18 pulgada (45 cm). Isinasaalang-alang ang visual vibration ng border ng mga colored blocks, ang heterogeneity ng paint coating (minsan multi-layered), maaaring ipaliwanag ng isa ang paglitaw ng paggalaw nang malalim sa espasyo ng larawan, na nagbibigay ng karagdagang matingkad na emosyon.
Rothko Chapel
Kung gaano kahalaga ang organisasyon ng espasyo ng larawan at ang mga paraan ng pag-unawa sa kanyang pagpipinta ay para sa pintor ay mauunawaan mula sa kasaysayan ng kanyang gawain sa disenyo ng kapilya ng simbahan sa Institute of Religion sa Houston. Ang mga malalaking panel na pininturahan para sa koro ay matatagpuan sa isang silid na idinisenyo ayon sa kagustuhan ni Rothko. Si Mark, na ang mga painting sa kasong ito ay halos monochrome, ay lumahok sa disenyo at pag-iilaw ng bulwagan.
Ang simbahan, kung saan naging bahagi ang kapilya, ay hindi kabilang sa isang partikular na relihiyon at nakatalaga sa Diyos. Isang mapagnilay-nilay, hiwalay sa makamundong kapaligiran ang pumupuno sa octagonal hall na may pinagmumulan ng liwanag na matatagpuan sa simboryo. Inilagay ni Mark Rothko sa bulwagan na itomga kuwadro na gawa. Ipinapakita ng larawan kung gaano kalakas ang exposure na ito.
Mahabang daan patungo sa pagkilala
Hindi madali ang mga personal na kalagayan ng artist. Ang mahabang taon ng kahirapan, ang hindi paniniwala ng mga pinakamalapit na tao sa kanyang talento ay lubos na nakaimpluwensya sa kanya, kaya ang gawain ni Mark Rothko ay halos hindi matatawag na optimistiko. Kahit na ang mga komposisyon ng mga bloke ng maliliwanag at maayang kulay ay nagbubunga ng malakas na dramatikong emosyon. Ang pagpapahayag ng trahedya sa buhay ng lipunan at bawat indibidwal ay tinatawag na pangunahing tema ng pintor.
Kamatayan bilang huling larawan
Noong huling bahagi ng dekada 60, dumating ang katanyagan at pera, ngunit dumami ang mga sakit at problema sa pamilya. Noong Pebrero 25, 1970, nagpakamatay ang artista sa pamamagitan ng pagbubukas ng kanyang mga ugat. Pinuno ni Mark Rothko - mga pagpipinta, mga larawan kasama niya ang lahat ng mga pahayagan at magasin - nilagdaan ang kanyang huling gawa …
Hindi raw niya maisip kung paano nabibili ang kanyang mga painting para lang sa interior decoration. Pagkatapos magtrabaho ng dalawang taon sa isang order para sa pinakamahal na restaurant sa New York, ibinalik ni Rothko ang advance at tinanggihan niya ang trabaho nang maisip niya ang mga mayayaman na kumakain at sumusulyap sa kanyang mga panel.
Hindi maiisip ang pinakamagagandang koleksyon ng kontemporaryong sining sa mundo nang walang mga painting ni Mark Rothko. "Orange, Red, Yellow", "White Center" - hindi kapani-paniwalang milyon-milyong dolyar ang binayaran para sa mga kuwadro na ito sa mga auction. Ang mga numerong ito ay lalo na nasasabik sa mga naninirahan, na nakakakita lamang ng mga hindi pantay na pininturahan na mga spot, na hindi nag-abala na gumawa ng isang hakbang patungo sa mga bagong ideya at damdamin. At gaano kalaki ang kalayaan, gaano kalaki ang sakit sa pusotao at artista?
Inirerekumendang:
Mubong sining sa pagpipinta: mga tampok ng istilo, mga artista, mga pagpipinta
Nakita mo na siguro ang mga painting ng mga artistang ito. Parang bata ang gumuhit sa kanila. Sa katunayan, ang kanilang mga may-akda ay nasa hustong gulang, hindi lamang mga propesyonal. Sa pagpipinta, ang walang muwang na sining ay nagmula sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa una, hindi ito sineseryoso, at talagang hindi itinuturing na sining. Ngunit sa paglipas ng panahon, ang saloobin sa istilong ito ay kapansin-pansing nagbago
Expressionism sa musika ay Expressionism sa musika noong ika-20 siglo
Sa unang quarter ng ika-20 siglo, isang bagong direksyon, kabaligtaran ng mga klasikal na pananaw sa pagkamalikhain, ay lumitaw sa panitikan, sining, sinehan at musika, na nagpapahayag ng pagpapahayag ng subjective na espirituwal na mundo ng tao bilang pangunahing. layunin ng sining. Ang pagpapahayag sa musika ay isa sa mga pinakakontrobersyal at kumplikadong agos
Mga larawan mula sa mga stone chips: mga uso sa fashion, mga kawili-wiling ideya, istilo ng pagpipinta at teknolohiya ng pagpapatupad
Kapag nagpoproseso ng mga natural na bato, nabubuo ang maliliit na fragment, na tinatawag na stone chips. Ang mga ito ay magkakaiba sa laki at iba-iba sa mga kulay at uri. Ang tila hindi kinakailangang materyal na ito ay natagpuan pa rin ang paggamit nito. Bilang isang pagpipilian, ito ay mga kuwadro na gawa mula sa mga chips ng bato. Ang mga ito ay natatangi, dahil mayroon silang lakas ng tunog, kaluwagan at isang kakaiba, espesyal na makinis. Ang estilo ng mga pagpipinta at ang teknolohiya para sa kanilang pagpapatupad ay tatalakayin sa artikulo
Etude sa pagpipinta ay Ang konsepto, kahulugan, kasaysayan ng pinagmulan, mga sikat na pagpipinta at mga pamamaraan sa pagpipinta
Sa kontemporaryong fine arts, ang papel ng pag-aaral ay hindi matataya. Maaari itong maging isang natapos na pagpipinta o isang bahagi nito. Ang artikulo sa ibaba ay nagbibigay ng mga sagot sa mga tanong tungkol sa kung ano ang isang sketch, kung ano ang mga ito at para saan ang mga ito, kung paano ito iguguhit nang tama, kung ano ang ipininta ng mga sikat na artista ng mga sketch
Rococo sa pagpipinta. Mga kinatawan ng Rococo sa pagpipinta at kanilang mga pagpipinta
Ang mga kinatawan ng Rococo sa pagpipinta noong ika-18 siglo ay nakabuo ng mga magagaling na eksena mula sa buhay ng aristokrasya. Ang kanilang mga canvases ay naglalarawan ng romantikong panliligaw na may haplos ng erotismo sa backdrop ng mga pastoral na tanawin
