Monokrom na pagpipinta: mga tampok, mga halimbawa

2025 May -akda: Leah Sherlock | [email protected]. Huling binago: 2025-01-24 21:20

Matagal nang nabanggit ng mga artista na ang kulay ay maaaring gamitin upang pukawin ang matinding emosyonal na tugon sa mga tao. Ang mga artistang tulad ni Van Gogh ay naging inspirasyon nito upang lumikha ng mga obra maestra na puno ng maraming kulay. Gayunpaman, iba ang iniisip ng ibang mga artista. Nagsusumikap silang lumikha ng isang obra maestra gamit lamang ang isang kulay.

Definition

Ang Monochrome painting ay isang gawa ng sining na ipininta gamit ang isang kulay lamang. Sa katunayan, ang salitang "monochrome" ay literal na nangangahulugang "isang kulay". Ito ay ibang diskarte sa sining, gayunpaman, ito ay ginagamit nang mas malawak kaysa sa iniisip ng karamihan.

Technique

Paano nagagawa ang isang pagpipinta kung isang kulay lang ang gagamitin? Ang susi dito ay, halimbawa, ang asul at berde ay magkaibang kulay, ngunit ang navy blue at cyan ay hindi naiiba; shades lang sila ng same color. Maaaring idagdag ang puti sa base na kulay, na ginagawang mas magaan. Theoretically, ito ay maaaring ipagpatuloy hanggang sa halos purong puti ay nakakamit. Kasabay nito, ang kulay ay maaaring madilim sa pamamagitan ng pagdaragdag ng itim. Kaya ang mga artistamaaaring magpinta ng buong imahe, na binubuo ng mga linya, elemento at hugis sa iba't ibang kulay, na teknikal na isang pagpipinta sa isang kulay.

Bakit gumamit ng monochrome painting technique

Alam ng mga artista kung gaano kalalim ang pagpapakita ng kulay sa emosyon ng tao. Ang mga monochrome na painting ay naging makapangyarihang paraan upang makapukaw ng malalim na personal na mga karanasan, na higit pang hinihikayat ang mga artist na tuklasin ang damdamin at espirituwalidad sa pamamagitan ng monochrome na sining.

Binabawasan ng mga artist ang kanilang color palette sa maraming dahilan, ngunit kadalasan ito ay isang paraan upang ituon ang atensyon ng manonood sa isang partikular na paksa, konsepto, o diskarte. Kung wala ang lahat ng kumplikado ng paggawa sa kulay, nagiging posible na mag-eksperimento sa hugis, texture, simbolikong kahulugan.

Ang monochrome na pagpipinta sa itim, puti at kulay abo ay tinatawag ding grisaille.

Pagbuo ng Direksyon

Ang pinakaunang nakaligtas na mga gawa ng sining ng Kanluranin na ginawa sa grisaille ay nilikha noong Middle Ages. Idinisenyo ang mga ito upang alisin ang lahat ng mga distractions at ituon ang isip. Habang nararanasan ng kulay ang pang-araw-araw na buhay, ang itim at puti ay maaaring magpahiwatig ng paglipat sa kabilang mundo o magkaroon ng espirituwal na konteksto.

Para sa ilan, ang kulay ay ipinagbabawal na prutas at ipinagbawal ng mga relihiyosong utos na nagsasanay ng isang uri ng aesthetic asceticism. Halimbawa, ang stained glass sa grisaille technique ay nilikha ng mga monghe ng Cistercian noong ika-12 siglo bilang isang kahalili sa mga maliliwanag na bintana ng simbahan, na may translucentkulay-abo na mga panel, na may mga larawan kung minsan ay pininturahan ng itim at dilaw. Magaan at eleganteng hitsura, ang glass window grille ay naging popular sa labas ng order at kalaunan ay naging modelo sa maraming simbahan sa France.

Pag-aaral ng liwanag at anino

Mula noong ika-15 siglo, nagpinta nang itim at puti ang mga artista upang makayanan ang mga hamon na idinudulot ng mga paksa at komposisyong inilalarawan nila. Ang pag-aalis ng kulay ay nagbibigay-daan sa mga artist na tumuon sa kung paano nahuhulog ang liwanag at anino sa ibabaw ng isang pigura, bagay, o eksena bago lumipat sa isang buong kulay na canvas.

Grisail painting

Lalong dumami, nagsimulang lumabas ang mga painting sa grisaille bilang mga independiyenteng gawa ng sining.

Ang Saint Barbara ni Jan van Eyck (1437, Royal Museum of Fine Arts Antwerp) ay ang pinakaunang kilalang halimbawa ng monochrome na gawa sa panel na pininturahan ng Indian na tinta at langis.

Sa loob ng maraming siglo, hinamon ng mga artista ang kanilang sarili na gayahin ang hitsura ng iskulturang bato sa pagpipinta. Ang Hilagang Europa ay may panlasa para sa mga ilusyonaryong pandekorasyon na elemento tulad ng mga pandekorasyon na pagpipinta sa dingding at nililok na plaster. Ang pinakamalaking tagumpay sa pagsasanay na ito ay nakamit ng artist na si Jacob de Wit. Ang kanyang gawa ay madaling mapagkamalan bilang isang three-dimensional na wall relief.

Abstraction

Ang mga abstract artist ay madalas na bumaling sa monochrome painting. Kapag ang mga artista ay may access sa lahat ng posibleshades, ang kakulangan ng kulay ay maaaring maging mas nakakagulat o nakakapag-isip. Noong 1915, ipininta ng Kievan artist na si Kazimir Malevich ang unang bersyon ng kanyang rebolusyonaryong Black Square at inihayag na ito ang simula ng isang bagong uri ng non-representational art. Ang gawa nina Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella at Cy Tumbley ay naglalarawan ng paggamit ng kaunting kulay para sa maximum na epekto.

Ang mga artistang interesado sa teorya ng kulay at ang mga sikolohikal na epekto ng kulay (o kawalan nito) ay nagmamanipula ng liwanag, espasyo, at kulay upang pukawin ang isang partikular na tugon mula sa manonood.

Ink painting

Ang ganitong uri ng sining ay nagbibigay-daan sa artist na lumikha ng mga malinaw na bahagi ng contrast. Sa karamihan ng mga kaso, ang pagpipinta ng tinta ay ang paglalagay ng itim na tinta sa isang puting ibabaw, na nagreresulta sa kaibahan na ito. Upang lumikha ng mga kinakailangang paglipat kapag nagtatabing, ang paraan ng paglalapat ng ilang mga layer ay ginagamit. Kasama sa mga ganitong paraan, halimbawa, ang iba't ibang uri ng pagpisa.

Monochrome painting ng Japan

Ang ganitong uri ng sining ay nagmula sa China. Sa kultura, pilosopikal at artistikong konteksto na ito ipinanganak ang monochrome painting.

Sa lahat ng sining sa China, ang pagpipinta ang pinakamahalaga, ito ang nagbubunyag ng sikreto ng sansinukob. Ito ay batay sa isang pangunahing pilosopiya, ang Taoismo, na naglalatag ng malinaw na mga konsepto ng kosmolohiya, ang tadhana ng tao, at ang relasyon sa pagitan ng tao at ng uniberso.

Ang pagpipinta ay ang aplikasyon ng pilosopiyang ito habang tumatagos ito sa mga misteryo ng sansinukob.

Sa tradisyonalAng Chinese painting ay may apat na pangunahing paksa na sa panimula ay pareho sa Japanese painting: mga landscape, portrait, ibon at hayop, bulaklak at puno.

Sa Japan, noong panahon ng Kamakura (1192-1333), ang kapangyarihan ay inagaw ng mga mandirigma (samurai). Sa panahong ito, salamat sa paglalakbay ng mga monghe sa China at sa kanilang kalakalan doon, isang malaking bilang ng mga pagpipinta ang dinala sa Japan. Malaki ang impluwensya ng katotohanang ito sa mga artistang nagtrabaho sa mga templo na kinomisyon ng mga patron at art collector (shogun).

Ang pag-import ay hindi lamang nagbigay inspirasyon sa pagbabago sa paksa, ngunit nagsulong din ng makabagong paggamit ng kulay: yamato-e (9th-10th century long scroll painting) ay pinalitan ng Chinese monochrome techniques.

Ang mga kamangha-manghang gawa ng mga dakilang Buddhist masters at pintor ng Tang at Song dynasties, mga painting na nakasulat sa black Chinese ink, ay tinawag na suibok-ga o sumi-e sa Japan (huling ika-13 siglo). Ang istilo ng pagpipinta na ito ay orihinal na monopolyo ng mga Budistang Zen at pagkatapos ay pinagtibay ng mga monghe at mga artistang may ganitong espiritu, at sa mahabang panahon ay halos hindi mapaghihiwalay ang pagpipinta ng itim na tinta at pagpipinta ng Zen (Zenga).

Ang pinakadakilang sumi master sa panahong ito ay si Sesshu Toyo (1420-1506), isang monghe mula sa Kyoto na nag-aral ng ink painting sa China. Si Sesshu lamang ang nag-iisang pintor na nag-asimilasyon sa pilosopikal na batayan ng ganitong uri ng pagpipinta at nilagyan ito ng orihinal na diwa sa mga tema ng Hapon at masining na wika, gayundin kaugnay ng mga spatial na representasyon ng Chinese.mga artista noong panahong iyon.